Il segmento dei NAS a prezzi accessibili è incredibilmente competitivo con molti modelli di Synology, ASUSTOR, TerraMaster, QNAP e altri. La maggior parte di questi offre specifiche simili, ma differiscono leggermente quando si tratta di RAM, CPU e alloggiamenti per unità.

Il DRIVESTOR 4 Pro è arrivato in una scatola di cartone, all’interno c’era il NAS avvolto in un sacchetto antistatico, accompagnato da una piccola scatola di accessori.

Il pannello frontale nasconde, attraverso dei magneti, i quattro alloggiamenti delle unità disco. A sinistra si trovano gli indicatori di stato che mostrano il led dell’alimentazione, i led di stato delle unità e l’attività di rete, oltre a una delle tre porte USB 3.2 Gen 1. Gli slot delle unità sono di plastica dura ma sono ben fatti.

Le unità di archiviazione possono essere configurate in Disco singolo, JBOD, RAID 0, RAID 1, RAID 5, RAID 6, RAID 10. Una volta installato l’hardware, sarà necessario collegare il NAS con un cavo CAT5e o CAT56e a uno switch compatibile.

La parte posteriore del NAS ha la ventola da 120 mm, altre due porte USB 3.2 Gen 1, la porta LAN da 2,5 Gb e l’ingresso CC dall’alimentatore esterno.Il NAS è ben progettato, facile da installare e fornisce tutte le informazioni necessarie con le luci a LED frontali.

L’utilizzo di un SoC ARM e l’impostazione di default della ventola da 120mm di diametro per funzionare in maniera equilibrata rende questo NAS molto silenzioso, l’unico rumore udibile è sicuramente quello dei movimenti meccanici dei componenti degli HDD.

Nel nostro test di utilizzo infatti abbiamo riscontrato una rumorosità di circa 33dbA. Sicuramente è un NAS che potremmo tenere sulla scrivania in ufficio senza disturbare. Il sibilo dell’aria condizionata sarà superiore al rumore che produce l’AS3304T!

ASUSTOR ADM 4.0

Drivestor 4 Pro arriva con installato il nuovo sistema operativo di Asustor, ossia l’ADM 4.0, supporta la condivisione di file su piattaforme Linux, UNIX, Mac e Windows.

Al primo accesso il NAS ci porterà nella schermata di inizializzazione e configurazione dei dischi, quindi effettuerà subito un controllo generale e l’eventuale installazione di aggiornamenti.

Di seguito alcune informazioni sui vari aspetti da configurare:

Activity Monitor offrirà informazioni dettagliate sull’utilizzo delle risorse, inclusi i processi attraverso la seconda scheda.

App Central è il punto in cui installerai un’applicazione desiderata/necessaria sul NAS. Alcuni dei più popolari possono essere visti sopra.

Backup e ripristino offre una suite di opzioni per il mantenimento dei dati tramite sincronizzazione remota, FTP o archiviazione con collegamento diretto.

I dispositivi esterni supportati su ADM includono un disco rigido, stampanti e unità ottiche per citarne alcuni. Puoi anche gestire un UPS allegato in questo menu.

I servizi consentono di controllare la connettività al NAS tramite SMB, NFS o SFP. In questo menu puoi anche configurare FTP, WebDAV e altri server.

Il desktop principale contiene una dozzina di icone, tra cui Controllo accessi, Monitoraggio attività, App Central, Backup e ripristino, Esplora file e Impostazioni.

Una volta settati e configurati i quattro dischi installati all’interno dell’AS3304T e connesso ad una porta ethernet a 2.5GbE Il Drivestor 4 Pro si è comportato abbastanza bene permettendoci di scrivere file di 400MB ad una velocità di circa 165MB/s e di leggere a circa 220MB/s. (Performance che potrebbero variare a seconda degli HDD che andrete ad installare)

ASUSTOR DRIVESTOR 4 (AS3304T) è una straordinaria macchina NAS. Ha un prezzo aggressivo per adattarsi al segmento economico, ha una porta LAN da 2,5 Gb che di solito è riservata a NAS più premium ed è perfettamente attrezzato per un server di archiviazione cloud domestico. È anche compatto, ha un bell’aspetto, è silenzioso con ha un basso consumo energetico.

Per concludere devo dire di aver provato un prodotto veramente ottimo per i professionisti, un cloud personale con un prezzo decisamente interessante che permette sia a famiglie sia a professionisti di avere veramente tantissime funzioni Server cloud.

Un NAS molto potente per la sua scalabilità per la sicurezza garantita dai sistemi di Asustor che di fatto permette di ospitare i propri archivi e i propri file.

Link pagina ufficiale

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La sequenza iniziale dell’adattamento in film animato di “Ghost in the Shell” (diretto da Mamoru Oshii e uscito nel 1995) mi ricorda un aneddoto che amo su Hitchcock raccontato da Hitchcock stesso in “Il cinema secondo Hitchcock” di François Truffaut. “Pensai una scena per Intrigo internazionale, ma alla fine non la realizzammo davvero. Siccome ci stavamo spostando verso nord ovest da New York una delle mete del percorso sarebbe stata Detroit, dove creano le automobili Ford. Hai mai visto una catena di montaggio? Sono assolutamente fantastiche. Comunque, volevo avere una lunga scena di dialogo con Cary Grant e uno degli operai della fabbrica, mentre i personaggi camminano lungo la catena di montaggio. Avrebbero potuto, per esempio, parlare di uno dei capisquadra. Intanto dietro di loro vediamo una macchina che viene assemblata, pezzo su pezzo. Finalmente, la macchina che hanno visto nascere da un semplice dado con un bullone è finita, ha il motore pieno ed è pronta a essere guidata via dalla catena di montaggio. I due uomini la guardano e dicono: accidenti è meravigliosa! Ma poi aprono lo sportello della macchina e un cadavere scivola per terra! Da dove viene quel corpo? Certo, non dalla macchina, perché la hanno vista costruire sin da zero! Ecco, quel cadavere arriva dal nulla! E magari quel cadavere è proprio del caposquadra di cui i due personaggi stavano discutendo… Il vero problema era che non potemmo integrare la scena dentro la storia. Anche una scena gratuita deve avere una qualche giustificazione per essere nella storia, sai!”

Shelling e Hitchcock

Dopo una breve scena introduttiva, ripresa dal primo episodio della serie di fumetti originale di “Ghost in the Shell” di Shirow Masamune (1988), il film di Oshii mostra il processo di creazione del corpo cyborg della protagonista, Motoko Kusanagi, in una sequenza ispirata invece a un capitolo successivo del fumetto in cui Motoko visita una catena di montaggio. Come nell’idea di Hitchcock avrei visto costruire un’automobile per poi trovarci dentro un mistero, un cadavere, così nella sequenza di “Ghost in the Shell” vedo costruire un corpo robotico, sintetico, per poi trovarci dentro un mistero: una coscienza. Certo, potrei dire che la situazione in “Ghost in the Shell” è molto più semplice: so da dove viene la coscienza nel corpo di Motoko poiché durante la sua costruzione vedo chiaramente il suo cervello, l’unica parte umana (seppur potenziata) nella ragazza, ma il film mette in dubbio proprio questo legame tra umanità e cervello umano, mette in dubbio l’esistenza stessa di qualcosa che non riconduca la nostra mente a una serie di reazioni e tracce chimiche e impulsi elettrici.

Siamo in un futuro prossimo, il Maggiore Motoko Kusanagi è un agente cyborg della Sezione 9, in cui quasi tutti i membri sono potenziati artificialmente, e combatte contro un hacker chiamato “il signore dei pupazzi” (o “il marionettista” o “il burattinaio” a seconda della traduzione) capace di manipolare persone dotate di innesti cibernetici nel cervello creando false memorie da sfruttare per i suoi scopi. In uno dei momenti iniziali del film, per esempio, il signore dei pupazzi crea in un netturbino solitario il finto ricordo di una famiglia, di una moglie che all’improvviso vorrebbe il divorzio, per spingerlo a cercare un modo per spiarla, e crea in un criminale comune l’identità di hacker assunto per un attentato politico perché sfrutti il netturbino inconsapevole non per hackerare la moglie (inesistente) ma un funzionario del governo. Questo scontro tra la Sezione 9 e il signore dei pupazzi/marionettista/burattinaio è l’occasione sia per mostrare il cinismo dei governi e delle loro trame, un tema caro a Shirow Masamune che riempie le storie originali del fumetto di elementi fantapolitici estremamente realistici, sia per parlare del mistero accennato all’inizio, quello sulla presenza di una coscienza in un corpo artificiale, del rapporto tra qualcosa che potremmo chiamare “anima” (“ghost”, “spirito”) e corpo abitato (“shell”). Cosa ci rende umani, cosa è umano?  Cosa accade quando l’uomo si avvicina la macchina e, soprattutto, quando la macchina, il computer, si avvicina all’uomo?

Una questione privata… di qualsiasi profondità

L’adattamento cinematografico di Rupert Sanders (“Biancaneve e il cacciatore” per dirvi in che mani siamo finiti) con Scarlett Johansson nel ruolo del Maggiore, nota qui come Mira Killian, non è altrettanto interessato a investigare questi temi, come non è interessato a investigare alcun tema. Il lungometraggio ripropone pedissequamente le scene del film animato originale, ignorando totalmente il fumetto, ma crea con queste scene una trama che non c’entra niente con quella di “Ghost in the Shell”, piena di buchi di sceneggiatura, di personaggi che si comportano in modo assurdo solo per far avanzare la trama e di incoerenze. Le scene copiate dal film di animazione sono tra le parti migliori del film di Sanders, ma più che un adattamento l’opera sembra un remix realizzato campionando il film originale e incastrando a piacere i pezzi. Agli autori piacevano visivamente le scene di “Ghost in the Shell” e non interessava in nessun modo rispettarne i contenuti o lo spirito, ma c’è anche una difficoltà oggettiva nel raccontare oggi, di nuovo, “Ghost in the Shell” di Shirow Masamune e Oshii.

Le opere di Shirow Masamune e di Mamoru Oshii nascevano agli albori della computerizzazione e della diffusione di internet in cui oggi viviamo, si interrogavano su quali sarebbero stati i risultati della creazione di una rete che connettesse tutta l’umanità e, soprattutto, di una rete che connettesse tutta la sua memoria. Oggi viviamo quella rete come qualcosa di quotidiano e banale, siamo realmente sempre connessi a internet grazie ai nostri smartphone e la nostra realtà sta cominciando davvero a fondersi con quella virtuale. Il film di Rupert Sanders, incapace di portare nella modernità gli interrogativi di Shirow Masamune e Oshii, preferisce abbandonarli: nel suo “Ghost in the Shell” per esempio internet sembra non esistere. Il film si concentra sul personaggio interpretato da Scarlett Johansson, un agente della Sezione 9 creato dalla Hanka Corporation che afferma di aver con lei realizzato il primo cyborg completo dopo averne salvato solo il cervello a seguito di un attentato terroristico che ha distrutto la nave con cui lei e la sua famiglia stavano arrivando nel Paese. Spinta dal suo passato Mira combatte contro un’organizzazione terroristica controllata da un misterioso uomo chiamato Kuze che sta uccidendo, uno dopo l’altro, proprio gli scienziati della Hanka Corporation. Il film di “Ghost in the Shell” di Rupert Sanders si concentra solo sulla vicenda personale del Maggiore, una vicenda personale totalmente ininfluente nell’opera originale, spostando l’attenzione da temi universali, e oggi ancora più attuali di quanto lo fossero nel 1988 o nel 1995 come il ruolo della tecnologia nelle nostre vite e gli interrogativi che essa porta con sé, a una semplice storia di amnesia: Mira Killian è davvero Mira Killian? E chi se ne frega?

Whitewashing spinto alle estreme conseguenze

E qua devo fare qualcosa che normalmente evito: devo anticiparvi il finale. Prima di tutto perché è necessario per parlare dei gravi problemi di “Ghost in the Shell”, poi perché lo svolgimento e la sua conclusione sono di una tale banalità che nessuno resterà stupito dai loro (chiamiamoli così) “colpi di scena” e infine perché se anticiparvi il finale vi rovinerà il film e vi farà passare la voglia di vederlo avrò raggiunto effettivamente il mio scopo, che è quello di incoraggiarvi a colpire duramente chi propone un’operazione come questo adattamento di “Ghost in the Shell”. E queste persone, persone che odiano il loro lavoro e lo fanno senza passione, senza amore, senza nessun desiderio di dare qualcosa di bello al prossimo ma solo con l’intero di distruggere, rovinare, saccheggiare, possono essere colpite solo nel portafogli.

Il casting di “Ghost in the Shell” di Sanders è stato subito accolto con sospetto: perché il ruolo del Maggiore, che nella storia originale è giapponese, dovrebbe essere interpretato da Scarlett Johansson e non da un’attrice giapponese o almeno di origine asiatica? Come risposta vale sempre quella che Ridley Scott dette quando gli chiesero perché avesse messo i soliti attori bianchi a interpretare i principali protagonisti, Ebrei ed Egiziani, nel suo “Exodus – Dei e re”:  “Non posso mettere in piedi un film con questo budget… e dire che il mio attore principale è Mohammad così-cosà da lupoululà-castelloululì… semplicemente non troverei i soldi.” Per chiarire quanto questo sia falso: mentre “Ghost in the Shell” di Rupert Sanders si avvia a diventare uno dei più grandi flop dell’anno, “Get Out”, un film che parla di temi razziali e ha un protagonista di colore con certo minor richiamo di Scarlett Johansson, è intanto il film tratto da una sceneggiatura originale con il miglior debutto dell’intera storia del cinema americano.

Il fatto che si sia scoperto che inizialmente avevano provato a orientalizzare l’attrice usando la computer grafica non ha migliorato la situazione. “Ghost in the Shell” è, in questo, l’ennesimo esempio di come Hollywood non riesca ad accettare facilmente che l’etnia bianca caucasica non sia quella di default al mondo, che il mondo non si divida in “quelli normali cioè bianchi” e “quelli di colore che mettiamo nei film solo se serve proprio uno di colore e non possiamo farne a meno”. Come non riesce ad accettare che il mondo si divida in “quelli eterosessuali cioè normali” e “quelli non eterossessuali che mettiamo nei film solo se serve proprio uno non eterosessuale e non possiamo farne a meno”. La risposta più ridicola che ho sentito a riguardo è quella che vorrebbe i personaggi dei fumetti giapponesi già disegnati “come se fossero occidentali” e che quindi ipotizza che tutti i fumetti giapponesi siano ambientati in una specie di realtà parallela in cui nell’intero Giappone l’unica etnia è quella bianca caucasica. Quelli che noi identifichiamo come tratti etnici giapponesi non sono semplicemente esplicitati nel fumetto giapponese, e proprio come noi vediamo nei volti senza tratti razziali dei manga la nostra pura razza ariana così i Giapponesi vedono in quella sintesi loro stessi. Esiste persino una precisa caratteristica che viene usata nel fumetto giapponese, soprattutto in quello più vecchio (come “Ghost in the Shell”), per rappresentare gli occidentali distinguendoli dai personaggi “normali”, cioè giapponesi: noi veniamo disegnati con nasi molto pronunciati. Se la questione del whitewashing, il processo con cui l’Occidente riconduce a se stesso altre culture e riconduce alla sua etnia altre etnie, pesava già su “Ghost in the Shell” prima dell’uscita, quando sono arrivato al suo finale la situazione è precipitata e ha trasformato questo film in una delle occidentalizzazioni più superficiali che io abbia mai visto. Per chiarirci, questo film galleggia al livello di “Dragon Ball Evolution”. E scrivo “galleggia” perché è fatto della stessa materia di cui sono fatti i sogni.

Nel finale di “Ghost in the Shell” scopro che il Maggiore Mira Killian non è un’immigrata che ha perso la famiglia durante un attentato terroristico, ma un’attivista anti-tecnologia giapponese di nome Motoko Kusanagi che è stata rapita dalla Hanka Corporation insieme ai suoi compagni e usata come cavia umana. Kuze era un suo amico, anch’esso un attivista giapponese di nome Hideo, anch’esso trasformato in cyborg dalla Hanka in un esperimento purtroppo fallito e scartato: come la Hanka ha cercato di distruggere Hideo/Kuze, ancora in parte senza memoria, disorientato, abbandonato a se stesso, così Hideo/Kuze ha creato un’intera organizzazione terroristica (non viene mai chiarito come, perché la sceneggiatura manca di tutti i passaggi logici, sempre) per distruggere la Hanka. “Ghost in the Shell” di Rupert Sanders, lo dico in un altro modo, è la storia di un gruppo di attivisti di colore rapiti da una corporazione e trasformati in cyborg bianchi (Hideo/Kuze è Michael Pitt). Narrativamente ha senso ed è uno spunto che poteva essere svolto anche in modo interessante concentrandosi proprio sull’elemento razziale, ma siccome la trama non si occupa di esplorare alcuna delle sue implicazioni più profonde (neanche investiga cosa voglia dire per una attivista anti-tecnologia essere inserita in un cyborg) il finale diventa una disperata giustificazione al whitewashing e un crudele commento all’whitewashing stesso subito dalla protagonista: come la malvagia corporazione Hanka rapisce attivisti giapponesi e li trasforma per i suoi scopi in cyborg bianchi, in quanto forse culturalmente e intellettualmente incapace anche di pensare all’esistenza di altre etnie, così gli autori di “Ghost in the Shell” hanno preso una storia giapponese piena di implicazioni politiche, filosofiche e culturali e la sua protagonista giapponese e li hanno trasformati in un prodotto occidentale con protagonisti bianchi (ci sono personaggi di colore, ma quasi tutti abbandonati sullo sfondo) per i loro scopi.

Ghost in the Shell di Rupert Stander: in conclusione…

“Ghost in the Shell” di Rupert Sanders, tratto (almeno secondo gli autori) dal fumetto giapponese “Ghost in the Shell” di Shirow Masamune, è un film con un buon uso del 3D stereoscopico e alcune belle scene di ambientazione urbana seppur poco originali e create unicamente tramite accumulo di stereotipi cyberpunk, ma scene d’azione costruite con poca fantasia e con un uso stupido, diffusissimo nel cinema americano, dell’Effetto Rallenty. Il difetto maggiore di “Ghost in the Shell” non sta però nel suo apparato tecnico, alla fine decente nonostante la banalità e alcuni momenti di computer grafica non ben riusciti, ma nel suo adattamento superficiale del materiale originale, trasformato in una trama incoerente che prende pezzi dell’adattamento animato di “Ghost in the Shell” del 1995 di Mamoru Oshii per creare una storia che non c’entra niente e che non arriva da nessuna parte. Il film accenna continuamente a grandi temi universali, alla meditazione sul rapporto tra uomo e tecnologia, anima e corpo, che era centrale nelle opere di Shirow Masamune e Oshii, ma riduce tutto all’ennesima storia di un agente, il cyborg Mira Killian (Scarlett Johansson) con l’amnesia e creato da una corporazione che in realtà lo imbroglia. Non aspettatevi colpi di scena: avete già visto e rivisto tutto. Il processo di whitewashing subito dalla protagonista, e dall’intero mondo narrativo, e causa di tante controversie sin da prima del lancio del film è alla fine solo uno dei suoi tanti problemi di “Ghost in the Shell”, ma nel finale esplode mostrando tutta la pochezza di chi ha pensato un tale adattamento come sciacallaggio di un marchio commerciale a uso e consumo dell’Occidente più superficiale. Voto: 0/10. Sul serio: l’azione è noiosa, la storia è scritta male pur basandosi su una delle opere più ricche di dettagli e realismo nella storia del fumetto e dell’animazione, la trama è inconcludente e il modo in cui sono stati adattati i personaggi, tutti trasformati nel casting e nella narrazione in bianchi caucasici, mi tratta come un coglione razzista incapace di seguire un film se la protagonista non è della mia etnia. Vaffanculo “Ghost in the Shell”.

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Lo Hobbit – La Battaglia delle Cinque Armate è l’ultimo dei 3, ma sarebbe meglio dire 6, film che ci hanno trasportato nel meraviglioso mondo della Terra di Mezzo, con i suoi paesaggi mozzafiato e i suoi abitanti incredibili. Il viaggio di andata e ritorno dalla Contea, prima con Frodo e poi con Bilbo (seguendo la cronologia dell’uscita dei film) lo abbiamo affrontato tutti noi spettatori, sentendoci parte delle grandi avventure della Compagnia dell’Anello prima e della compagnia dei nani poi.

Per il momento dobbiamo dunque dire “The Last Goodbye” (titolo della canzone di Billy Boyd che si sente alla fine del film) alla saga del Signore degli Anelli e a quella de Lo Hobbit, sperando di continuare a sognare con un futuro lungometraggio sul Silmarillon. Il terzo capitolo della trilogia dedicata all’avventura di Bilbo è all’altezza delle aspettative e a nostro parere è il migliore dei tre film. Tutte le storie aggiunte da Peter Jackson alla trama di un altrimenti molto semplice romanzo quasi per bambini, trovano una conclusione e finalmente la scelta di fare tre film invece di uno risulta azzeccata e sfruttata bene. Siamo, infatti, davanti ad un film diviso in tre parti, ma completo, con personaggi ben sviluppati e scene indimenticabili. Questa recensione avrà anche una sezione “spoiler” in cui vi descriveremo le scene che ci sono piaciute di più e quelle che invece non ci hanno convinto.

Ne La Desolazione di Smaug i 13 nani della compagnia di Thorin Scudodiquercia reclamano Erebor e l’immenso tesoro rubato anni addietro dal drago, di fronte a tale atto di coraggio e di sfida, i vari popoli della Terra di Mezzo non possono restare indifferenti, è quindi inevitabile che scoppi la guerra per la Montagna e le sue sconfinate ricchezze. La battaglia delle cinque armate, come dice il titolo stesso, racconta tale conflitto e si rivela un film molto epico e mai banale. Le scene di combattimento sono fatte benissimo: le coreografie e gli straordinari effetti speciali le rendono indimenticabili. Il tutto con il sottofondo di una colonna sonora azzeccatissima, firmata ancora una volta da Howard Shore.

Sul campo di battaglia, ritroviamo tutti i personaggi visti nei primi due film. La compagnia dei nani perde la sua consueta bonarietà, perché il capo, Thorin, è afflitto dalla “malattia del drago”, un’avidità cieca e spietata che lo cambia profondamente, fino a fargli perdere la ragione. La grande interpretazione di Richard Armitage conferisce profondità e tragicità al conflitto interiore di Scudodiquercia, divenuto ormai irriconoscibile davanti agli occhi dei suoi amici e anche ai nostri. Bilbo Baggins, ancora una volta magistralmente interpretato da Martin Freeman, non smette mai di stupirci, soprattutto perché la sua piccola statura non sembra proporzionata al suo grande coraggio.

Incontriamo nuovamente anche Smaug, reso terrorizzante e subdolo dalla mimica di Benedict Cumberbatch e dalla voce dell’ottimo Luca Ward, che nella versione italiana dà ancora una volta prova di un alto esempio di doppiaggio. Prima di lasciarvi alla conclusione e alla parte “spoiler” vi consigliamo di vedere il film in 3D perché, anche se lontano dalla perfezione, in alcune scene è fatto davvero bene e fa la differenza immergendoci in maniera ancora più netta nella visione del film.

Giudizio finale:

Peter Jackson è riuscito nell’impresa di adattare in maniera superba un libro non facile da inserire in una pellicola cinematografica. Anche l’ultimo film della trilogia, pur essendo il più corto della saga, riesce pienamente in questo intento ed è capace di emozionare e di addirittura renderci malinconici. Questo perché usciti dal cinema non si può che riflettere sul fatto che La Battaglia dei Cinque Eserciti è l’ultimo film visto in sala dove abbiamo avuto l’onore di vivere le avventure legate alla famiglia Baggins. In sintesi non siamo di fronte ad un capolavoro o ad un lungometraggio che si merita chi sa quale riconoscimento, tuttavia riteniamo che la sua visione sia assolutamente obbligatoria e che Jackson anche questa volta abbia fatto un grande lavoro. Questo anche perché una cosa è adattare un contenuto e una storia pre-esistente, un’altra invece, è progettare un film con una moltitudine di contenuti inediti, messi appositamente per rendere la pellicola completa e quanto più perfetta per il grande schermo.

Parte Spoiler 

Lo Hobbit – La Battaglia dei Cinque Eserciti presenta delle scene degne di essere citate in questa parte della recensione, da leggere, ovviamente, solo se avete già visto il film o siete particolarmente curiosi. Non abbiamo notato chi sa quale tipo di mancanza o di controsensi nelle scene, tuttavia abbiamo percepito qualche scena di troppo, qualche approfondimento mancante e qualche parte forse eccessivamente fantasiosa.

Se vi eravate stupiti quando Legolas ne Le Due Torri fa skateboard sullo scudo di un Uruk-Hai o quando nel Ritorno del re uccide un Olifante da solo, allora qui rimarrete a bocca aperta. Il biondo elfo è infatti protagonista di scene di combattimento ardite e articolate, alcune delle quali sono forse un po’ troppo inverosimili. Da citare quella dove si salva dal “ponte” che sta crollando, oppure quando prende possesso di un troll semplicemente infilzandolo nella testa (un chiaro riferimento al videogioco La Terra di Mezzo: l’Ombra di Mordor dove però il protagonista ha dei poteri che Legolas di certo non possiede…). Lo troviamo poi, inaspettatamente, in scene sentimentali, legate all’amore non corrisposto per Tauriel (che già si vedeva nel secondo film), al conflitto col padre e al ricordo della madre. A proposito di quest’ultimo argomento, a nostro avviso si poteva evitare di far dire al re degli Elfi Silvani “Tua madre ti voleva bene”, o, per lo meno, la storia della madre di Legolas andava approfondita un po’ di più.

La chicca finale per gli appassionati del Signore degli Anelli è il momento in cui Thranduil consiglia al figlio di andare alla ricerca di un giovane ramingo di nome Granpasso. Ma i riferimenti alla trilogia dell’anello non finiscono qui. Il più, per così dire, inquietante, è quello che riguarda Saruman, che, dopo il mozzafiato combattimento iniziale tra i 9 Nazgul (realizzati benissimo dal punto di vista grafico) e le forze del bene, dice: “Lasciate Sauron a me!”.

Una delle scene che fanno più riflettere, è quella in cui si scopre che Bilbo ha l’Arkengemma: in quel momento un piccolo hobbit della Contea possiede i due oggetti più potenti del mondo e anziché cedere alla brama di potere che tanto facilmente corrompe uomini e nani, li usa per scopi pacifici. Nonostante Bilbo sia sempre più attaccato al suo anello, nessuna malvagità si fa spazio nel suo cuore, anzi l’amicizia coi nani e con Gandalf, nonché la sua speranza nel ritorno a casa (già vista in Sam), lo fanno andare avanti e gli fanno compiere le scelte giuste.

Degna di nota è la sequenza che racconta la distruzione di Pontelagolungo, mentre le fiamme avvolgono la città, in un turbinio di acqua e fuoco, Smaug si svela in tutta la sua malvagità, prima di essere abbattuto dal coraggioso Bard aiutato in maniera abbastanza fantasiosa dal figlio. Diciamo “fantasiosa” perché effettivamente il bambino sarebbe dovuto rimanere quantomeno decapitato dalle piume della freccia nera.

La storia d’amore tra Tauriel e Kili qui giunge ad una conclusione ed è ben interpretata dal nano, mentre l’elfa, a tratti, ci è sembrata un po’ innaturale, forse troppo “elficamente” insensibile o semplicemente inespressiva. Comunque il triangolo Legolas-Tauriel-Kili, pur essendo inedito e mai raccontato da Tolkien è assolutamente vincente ed emozionante, oltre a dare movimento alla trama, altrimenti troppo incentrata sulla battaglia.

Un po’ meno bella la scena dell’ultimo combattimento tra Thorin e l’Orco Bianco Azog che praticamente sconfitto e intrappolato sotto una lastra di ghiaccio, risorge con una mossa esageratamente irreale. Come ha fatto a far esplodere la lastra di ghiaccio e a saltare fuori dal lago ghiacciato quando prima faceva fatica a rompere il ghiaccio pur usando la sua mazza ferrata?

Per concludere questa parte spoiler, non possiamo che sottolineare come in questo film ci sia qualche esagerazione di troppo e qualche scena troppo irreale che rovina un po’ quello che comunque rimane un film da andare a vedere di corsa, al Cinema.

Articolo redatto in collaborazione con Maria Pozzi

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Sono passati quasi 10 anni dall’uscita nei cinema di Madagascar, divertente pellicola in CGI dove i protagonisti assoluti della scena erano un leone, una zebra, un ippopotamo e una giraffa. In secondo piano c’erano però Skipper, Rico, Kowalski e Soldato, i pinguini più simpatici e strampalati mai visti sul grande schermo, capaci di dare quello sprint in più a un film già divertente di per sé: non contenti della loro posizione, sono così tornati al cinema con uno spin-off tutto loro, I Pinguini di Madagascar. Tra siparietti esilaranti e un’avventura frenetica e carica d’azione, i simpatici personaggi promettono tanto divertimento non soltanto ai bambini ma anche ai più grandicelli. Avranno ottenuto il risultato sperato?

Penguin 007

La trama di I Pinguini di Madagascar scorre liscia come l’olio, è semplice e si adatta perfettamente a un bambino di qualsiasi età: il film si posiziona cronologicamente dopo le vicende già raccontate nei tre film di Madagascar, per cui il simpatico gruppetto è già affiatato e si riconosce alla perfezione. Tutto ruota attorno a una missione segreta in stile 007, durante la quale i pinguini dovranno sventare i diabolici piani del dottor Octavius Brine, deciso a trasformare in mostri tutti i pinguini della terra. Se avevate pensato che uno spin-off al cinema non sarebbe stato efficace perché Madagascar riesce ad offrire già tutto nei suoi tre film, vi basterà mettervi comodi e godervi il film per cambiare totalmente idea: Skipper, Kowalski, Rico e Soldato riescono a farsi apprezzare non soltanto per la loro simpatia e per il fatto di essere adorabili, ma sanno perfettamente come condurre un lungometraggio d’animazione senza mai stancare il pubblico, sia per merito di innumerevoli gag, sia per un ritmo che raramente cala, sia per gli ottimi effetti speciali.

Il loro compito non sarà soltanto quello di mettere i bastoni tra le ruote al cattivone di turno, ma anche quello di dimostrare al Vento del Nord, società capeggiata da un lupo di nome Classificato (la cui voce nella versione originale è di Benedict “Sherlock” Cumberbatch) con lo scopo di aiutare gli animali in difficoltà, di essere in grado di riuscire nell’impresa. Per riempire un po’ il film, ma soprattutto far comprendere allo spettatore il motivo per cui i protagonisti sono diventati i pinguini fuori di testa che tutti quanti conosciamo, emerge anche il passato dei personaggi: il background propone pinguini che puntano molto sull’aspetto, che cercano cioè di conquistare il cuore di chi li osserva con le loro movenze goffe e il beccuccio tenero.

L’audacia di Soldato

All’interno del fantastico gruppetto, spicca su tutti la figura di Soldato, vera e propria mascotte del quartetto allegro: I Pinguini di Madagascar lo pone al centro delle vicende, facendolo emergere come protagonista di rilievo: sempre considerato il meno utile” in del gruppo, il pinguino desidera ardentemente non essere soltanto “carino e coccoloso”, ma anche membro valido e coraggioso della squadra. È proprio grazie a Soldato che i bambini potranno capire l’importanza di non escludere un amico dal proprio gruppo e di non farlo sentire “diverso”.

Tra momenti davvero divertenti e altri ricchi di azione, insomma, il film riesce a classificarsi bene tra i lungometraggi d’animazione degli ultimi tempi, nonostante il pubblico adulto non sia esattamente il target di riferimento… sempre che non si voglia trascorrere una serata all’insegna dello spasso!

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Dopo avervi proposto la recensione testuale di Hunger Games: Il Canto della Rivolta, Parte 1; non potevamo non proporvi anche la nostra video recensione di questo vero e proprio film evento che è al momento nelle sale Italiane sta ottenendo un successo davvero enorme. Il film prodotto e distribuito dalla Universal Pictures, è stato diretto da Francis Lawrence (Costantine, Io sono Leggenda, Hunger Games: La Ragazza di Fuoco, ecc.) e possiede un cast davvero impressionante con un numero enorme di attori estremamente famosi o che sono diventati famosi grazie proprio alla serie di Hunger Games.

Partiamo dalla protagonista Jennifer Lawrence, un’attrice che a soli 24 anni sembra aver raggiunto la piena maturità cinematografica dimostrandosi davvero brava nel ruolo di Katniss, un personaggio anche complicato, così come sono complicate le vite di ogni teenager. Mentre buona parte del restante cast rimane più o meno invariato rispetto ai restanti film (troviamo quindi i “soliti”, Josh Hutcherson, Liam Hemsworth, Woody Harrelson, Elizabeth Banks ecc.), abbiamo degli ingressi davvero importanti come la bravissima Julianne Moore che avrà un ruolo chiave in quest’ultimi film. Altro ingresso nel cast è Natilie Dormer, attrice ormai molto famosa avendo recitato e dimostrato la sua bravura (e bellezza) nella serie TV il Trono di Spade. Da non dimenticare anche la presenza purtroppo postuma, anche del bravissimo premio oscar Philip Seymour Hoffman deceduto a Febbraio di quest’anno ma presente in questo film perché scomparso dopo aver terminato le riprese di Hunger Games: il Canto della Rivolta, Parte 1 (non si conosce se sarà presente anche nella parte 2 o se l’attore verrà sostituito).

La nostra video recensione di oggi tratterà come sempre una parte non spoiler che è capace di introdurre al lungometraggio tutti quei lettori che non hanno visto quest’ultimo capitolo di Hunger Games. In questa parte sapremo dirvi se il film vale la pena di essere visto e quale sono state le nostre impressioni e i nostri giudizi in merito. La seconda parte del video invece sarà incentrata su argomenti spoiler dove entreremo più nei dettagli di alcune scene, parti del film o comportamenti dei personaggi che ci sono sembrati rilevanti, magari sia negativamente che positivamente.

In conclusione non possiamo che dire come il film, pur essendo ben lontano dall’essere considerato “perfetto”, tutto sommato sia veramente da vedere, anche soltanto per farvi un giudizio personale e poter così controbattere a quello che vi diremo in questa video recensione. Inoltre è praticamente necessaria la sua visione come introduzione e preambolo alla parte due di questo capitolo di Hunger Games che uscirà a Novembre del 2015 e che è già stata girata in contemporanea alla parte 1. Invitandovi ad iscrivervi al nostro canale e a mettere “mi piace” al video,  vi lasciamo alla nostra video recensione di Hunger Games: il Canto della Rivolta, Parte 1. Preparatevi al peggio! 😀

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La nostra Katniss è riuscita a sopravvivere per due volte consecutive ai giochi mortali indetti da Capitol City, un’impresa straordinaria che nessuno a Panem si sarebbe mai aspettato. Eppure, eccola lì: la ragazza di fuoco è pronta a guidare la rivolta. È pronta a mettere la parola “fine” ai soprusi che hanno dovuto subire nel Distretto 13. L’ottima interpretazione di Jennifer Lawrence e una produzione sicuramente di alto livello, hanno fatto sì che il terzo film della trasposizione della saga urban fantasy scritta da Suzanne Collins diventasse uno dei più attesi della stagione autunnale, se non dell’intero anno. Peccato che le aspettative di quanti stavano attendendo con ansia l’uscita di Hunger Games: Il canto della rivolta – Parte I rischino di essere deluse da una pellicola che, nonostante sia tecnicamente impeccabile, serve semplicemente a preparare lo spettatore al gran finale della quarta e ultima uscita.

Al di là dei giochi

Questione di soldi, chiaramente. La scelta di dividere una pellicola in due parti non è di certo una novità nel settore cinematografico, basti considerare Breaking Dawn o il settimo capitolo di Harry Potter. È sempre la stessa storia: perché incassare 5, quando si può incassare 10? E così un franchise viene spremuto al massimo. La stessa sorte è toccata a Hunger Games: Il canto della rivolta, che propina una prima parte in cui lo spettatore attende con ansia il momento in cui la trama decolli, rimanendo però a bocca asciutta. La rivoluzione bolle in pentola e Katniss comincia a fomentare un popolo che finora era rimasto in silenzio e aveva imparato soltanto a sopportare, con terrore e timore, le tante ingiustizie. Non c’è mai una svolta, però. Sarà quindi il quarto e ultimo film a presentare la battaglia tra la ragazza di fuoco e il malvagio Presidente Snow. Perlopiù, nella Parte I lo scontro si potrebbe definire mediatico: la bella Katniss e l’antagonista si sfidano “a colpi di spot”, utili a procurarsi l’appoggio di una folla impaurita, non in grado di prendere con coraggio una posizione e mantenerla fino in fondo.

Katniss on fire!

L’unico problema è che 120 minuti sono effettivamente troppi per raccontare Hunger Games: Il canto della rivolta – Parte I. Il film sarebbe potuto benissimo durare la metà del tempo senza lasciare indietro nulla, risultando anzi più efficace e meno noioso. Ci sono momenti “morti”, che non dicono e non trasmettono nulla, nonostante sia sempre un piacere vedere gli attori recitare impeccabilmente. Soprattutto la Lawrence. La sua capacità espressiva e la naturalezza con cui interpreta la parte le permettono di incarnare perfettamente il ruolo di “ghiandaia imitatrice”, ovvero il simbolo della rivolta contro l’oligarchia di Panem. In questo terzo film è perennemente divisa tra l’amore nei confronti di Peeta (peraltro tenuto in ostaggio dal Presidente) e la sete di vendetta, che aumenta sempre più a causa dell’infamia di Snow. In sostanza, le premesse per una buona riuscita c’erano tutte, ma la scelta di spezzare Il canto della rivolta in due parti non ha premiato la resa finale. Peccato.

Hunger Games: il Canto della Rivolta – Parte 1, video recensione

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Siamo lieti di presentarvi la seconda video recensione del nostro canale YouTube di Webtrek.it. Questa volta tratteremo di un film Horror presente attualmente nelle sale e che un po’ si ispira ad un classico del genere come IT, stiamo parlando di Clown. Il lungometraggio è prodotto da M2 Pictures e diretto da Jon Watts e vede un buon cast con Peter Stormare (Jurassic Park, Bad Boys 2, ecc.), Elizabeth Whitmere, Matthew Stefiuk e Laura Allen.

A grandi righe, il film parla di un padre di famiglia che per fare una festa di compleanno dedicata a suo figlio si veste da Clown. Nessuno però si sarebbe mai immaginato che i vestiti da Clown da lui usati, in realtà non sono altro che la pelle di un demone mangia bambini… Ne scaturirà una lotta psicologica e fisica all’ultimo sangue tra il demone e il padre di famiglia costretto addirittura a tentare di bloccare se stesso. Un film che effettivamente ci è piaciuto e che consigliamo sopratutto agli amanti del genere Horror. In realtà però il lungometraggio può essere visto anche dagli amanti del genere Thriller. Questo perché se da una parte la figura del Clown indemoniato può essere di per se molto spaventosa, le scene di paura tipiche del genere horror sono piuttosto limitate permettendo la sua visione ad un pubblico più ampio e variegato.

Piccola nota riguardante il film, alcuni si attendevano una sorta di remake di IT, altro film storico tratto da un famoso libro di Stephen King, con protagonista Penny Wise, un altro spaventoso mostro con sembianze da Clown. Sicuramente Clown si ispira davvero molto ad IT, però la trama è radicalmente diversa, così come è molto diversa la struttura (e anche la lunghezza dato che IT è un film che dura ben 3 ore!!!). Per chi non avesse visto IT consigliamo di provvedere alla sua visione perché stiamo comunque parlando di un capolavoro del Cinema, oltre che un capolavoro della letteratura Horror.

La nostra video recensione, come sempre, si divide in una parte iniziale non spoiler e in una spoiler. Nella prima non viene svelato alcun dettaglio troppo spinto delle scene del film e quindi risulta essere la parte adatta per chi ancora non è andato al Cinema a vederlo. Nella seconda invece avrete la possibilità di conoscere un commento più preciso riguardante il film e le scene più importanti o che ci hanno magari colpito di più. Ovviamente se avete dei suggerimenti riguardanti il video fateci sapere tramite commento, saremo felici di ricevere feedback che non potranno che aiutarci a migliorare il nostro nuovo servizio.

Se avete anche voi avete visto il film, sempre tramite commento, fateci sapere se siete d’accordo con il pensiero di Tommaso riguardanti i giudizi espressi su Clown. Il film a voi è piaciuto? Siete d’accordo con la nostra analisi? Fateci sapere! 😉 Vi lasciamo dunque alla nostra video recensione di Clown che trovate subito sotto.

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Webtrek.it è lieta di annunciarvi la nascita della sezione intrattenimento del nostro canale di YouTube dove troverete video recensioni sui principali film del momento. Partiamo oggi con una speciale video recensione su Dracula Untold, un film presente attualmente nelle sale Cinematografiche che ci mostra un Dracula molto diverso da quello che tutti noi ricordiamo e che è ben presente nell’immaginario collettivo. Più che altro stiamo parlando di un lungometraggio che sembra ispirarsi davvero tanto al genere Super Hero, con delle caratteristiche in comune con il genere Fantasy e con forse troppo pochi aspetti legati al genere horror.

Purtroppo, seppure ci siano degli aspetti considerabili anche positivi, il nostro giudizio generale non può che essere negativo, sopratutto anche viste delle incongruenze e delle irregolarità davvero clamorose riscontrabili durante la visione della pellicola (vedi la parte spoiler della video recensione).

Parlando della video recensione questa è stata realizzata insieme al simpaticissimo Tommaso Capanni, voce narrante, vero protagonista del video e figura che troverete in futuro anche in altri progetti legati a Webtrek.it. Purtroppo le condizioni ambientali non sono completamente ottimali, la nostra idea era quella di girarla in esterna ma purtroppo il cattivo tempo di questo periodo ci ha trovato del tutto impreparati costringendoci ad improvvisare anche troppo velocemente. Ovviamente trattasi di un primo video di prova, un vero e proprio test che avrà la possibilità di farci rendere conto su quanto questo genere di attività possa essere apprezzata da voi lettori. Il nostro impegno sarà quello di creare dei video sempre migliori capaci di coinvolgervi sempre di più e di intrattenervi al meglio. Pertanto, se avete dei suggerimenti a riguardo, o se volete anche solo commentare il suo contenuto, vi invitiamo a farci sapere! 🙂

Mi raccomando di non perdervi assolutamente la seconda parte del video, cioè quella spoiler, dove, grazie alla simpatia di Tommaso, vi farete sicuramente qualche sonora risata ricordandovi le scene più clamorose presenti in questo film. Buona visione della nostra prima video recensione della sezione intrattenimento del canale YouTube di Webtrek. Buon divertimento! 🙂

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Un viaggio per salvare l’umanità, per scoprire nuovi orizzonti aggrappandosi al comune detto “la speranza è l’ultima a morire”. La Terra è ormai sull’orlo del collasso e l’oblio sembra inevitabile, o quasi. È questo lo sfondo di Interstellar, ultima fatica di un Christopher Nolan astuto e audace, che non ha paura di tirare fuori dal cilindro un film a metà tra trascendenza e immanenza. Servendosi di un cast “stellare” – e non è un gioco di parole – tra cui si mette in luce Matthew McConaughey (del tutto affermato dopo l’ottima interpretazione in Dallas Buyers Club e in True Detective), il cineasta più acclamato del momento regala al pubblico quasi tre ore di un’esperienza che va ben oltre le stelle e l’universo, filtrando emozioni e sentimenti per raccontare l’amore tra un padre e una figlia.

Un viaggio “esistenziale”

Sembra essere arrivata la fine del mondo e l’unica possibilità per evitare l’estinzione del genere umano è quella di trovare un pianeta le cui condizioni soddisfino le esigenze dell’uomo. Le risorse alimentari si stanno esaurendo ed è qui che entra in gioco la NASA, con il piano interstellare che dà il nome al film: grazie alla comparsa di un buco nero, l’uomo avrebbe infatti la possibilità di esplorare nuove galassie. Soltanto così noi potremmo continuare a esistere. Noi, voi. Il film coinvolge e stravolge, trasmettendo emozioni allo spettatore attraverso la storia di Cooper (Matthew McConaughey) e di sua figlia Murph: lui è un ex-pilota di astronavi, divenuto agricoltore una volta compreso che di gente come lui non ce n’era più bisogno; lei è la sua bambina, la sua vita, la sua anima. Altro che film girato a stretto contatto con Kip Thorne – famoso fisico teorico statunitense, nonché uno dei produttori esecutivi di Interstellar – e produzione che omaggia la scienza, questa è la storia di una promessa, del desiderio di un padre di fare ritorno a casa e dell’attesa di una figlia che vuole riabbracciarlo. Ancora e ancora.

Oltre il tempo e lo spazio

È la semplicità l’arma vincente di Nolan: in contrapposizione al viaggio nello spazio e all’immensità dell’universo, ci sono infatti i piccoli gesti e le frasi brevi e dirette: quasi come fossero spezzate, incompiute, sono loro a dare il vero senso alla pellicola. È un vero inno all’amore quello del regista britannico; l’amore indissolubile che nemmeno il tempo e lo spazio è in grado di annientare. Se serve dunque di quello padre-figlia, una scelta azzeccata in quanto il sentimento tra due amanti sarebbe risultato troppo forzato, quasi patetico. Il resto vien da sé, la produzione riesce a intrattenere e non stanca. L’unico inconveniente è che l’epilogo dura circa tre quarti d’ora, senza riuscire concretamente a dire qualcosa in più rispetto al tutta la porzione di film precedente.

Tirando le somme, Interstellar è senz’altro la pellicola che il pubblico stava aspettando, nonostante i pareri divergenti della critica. Profondo ma essenziale, diretto ma contorto. Dietro la cornice del viaggio intergalattico si nasconde il senso della vita, dipinto attraverso una pioggia di scene e una quantità innumerevole di parole. Come le stelle.

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Dopo tanta attesa, ecco finalmente Sin City 2 – A dame to kill for o in italiano “una donna per cui uccidere”, diretto di nuovo da Robert Rodríguez  e coadiuvato alla regia ancora una volta dallo stesso autore della graphic novel: Frank Miller. Questo secondo Sin City è ovviamente basato sull’ononima serie a fumetti del 1991 ed edita in Italia da Star Comics. Scrivere una recensione per Sin City 2 non è semplice: ci sono un paio di fattori con cui bisogna fare i conti, come ad esempio l’effetto alone dato dal successo del primo Sin City e dalle caratteristiche visive che lo accomunano. Lo sappiamo tutti: il primo Sin City è stato un capolavoro assoluto, un film che è riuscito a creare un lungo e profondo solco in un genere cinematografico da me molto apprezzato: quello dei film tratti dalle graphic novel. Purtroppo il secondo capitolo è una ciambella che non è riuscita perfettamente col buco e dopo le necessarie premesse vediamo come mai.

Come non è…

Non è, purtroppo, all’altezza del suo predecessore. Sì, ripropone gli stessi personaggi; sì, segue la stessa atmosfera noir, ma, c’è un qualcosa di fondo che non convince del tutto. Innanzitutto il cast: identico a quello di 9 anni fa, fatte eccezione per Josh Brolin il quale ha rimpiazzato Clive Owen a causa degli impegni cinematografici di quest’ultimo. J.Brolin ha interpretato egregiamente il personaggio di Dwight McCarthy, ma Clive Owen era riuscito a rendere proprio quel personaggio e a far associare quel nome a quel viso. Cambiando faccia, purtroppo, si è perso un po’ di continuità, creando un leggero senso di smarrimento. Discorso analogo per Jamie Chung la quale ha sostituito Devon Aoki. Fortunatamente ci sono sempre Micke Rourke, Jessica Alba e Bruce Willis i quali sembrano volerci ricordare che quello che stiamo guardando è il sequel di quel film che tanto ci è piaciuto 9 anni fa. Volti nuovi: Joseph Gordon Levitt ed Eva Green. Entrambi interpretano egregiamente i loro ruoli, soprattutto la statuaria Eva Green, la quale sfoggia, oltre una dote recitativa di alto livello anche un corpo mozzafiato.

Come è…

Sin City 2 ci catapulta in una città dove tutto è permesso, dove se imbocchi il vicolo giusto, a Sin City puoi scoprire qualsiasi cosa e lo fa partendo da una scena d’azione che fa da prologo all’intero film e che ben fa presagire sulla bontà dello stesso. Un prologo che fin dai primi minuti fa pensare allo spettatore di non aver aspettato invano 9 anni. Le scene si susseguono ad un ritmo non incalzante, ma che comunque riescono a far stare incollato sullo schermo lo spettatore, tranne per alcune piccole sequenze le quali hanno l’effetto di appesantire la visione, dando proprio l’idea di aggiungere un qualcosa che non serve. Le stesse scene d’azione, benché ben realizzate non riescono sempre a risultare convincenti. Forse si è persa un po’ di quella sana violenza cinematografica che caratterizzava il primo Sin City, non che intendiamoci questo Sin City 2 – Una donna per cui uccidere sia da meno, ma nel primo sembrava il tutto più che giustificato. Quello che si avverte è una cura leggermente minore rispetto al primo film per quanto riguarda questo preciso aspetto. Ma come detto, il film funziona bene: l’intreccio e la trama sono avvincenti, forse non quanto il primo Sin City, ma sicuramente ad alto livello. Un livello che forse scende un attimo nell’ultimo capitolo del film, dove vengono proposti un Marv e una Nancy che altro non fanno che sparare a destra e a sinistra.

In conclusione…

… È un film che, chi ha apprezzato il primo Sin City deve assolutamente vedere, anche soltanto per rivere quell’atmosfera così caratteristica di questa produzione. È un film che sicuramente tiene alta la bandiera dei cine-graphic novel e che vi farà sentire soddisfatti di aver speso i soldi per il biglietto del cinema.

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