Il videogioco del momento (almeno in Occidente e almeno per fama e impatto culturale) incontra il film del momento (almeno in Occidente): Fortnite Battaglia reale incontra Avengers Infinity War, il nuovo film dell’universo cinematografico Marvel.

Il prossimo evento di Fortnite sarà un crossover ufficiale con Avengers Infinity War, a sua volta un crossover tra tutte le serie cinematografiche Marvel degli ultimi dieci anni. A partire da domani 8 maggio 2018 Thanos apparirà nel gioco in una nuova modalità che sarà disponibile solo per un tempo limitato e in cui i soliti cento giocatori, paracadutati sulla solita isola, combatteranno fin quando non ne resterà uno solo vivo. Ma stavolta sull’isola si troverà anche un Guanto dell’Infinito, il potente manufatto che raccoglie le sei Gemme dell’Infinito, frammenti di una divinità primoridale (o qualcosa del genere).

Chi troverà il Guanto dell’Infinito in Fortnite Battaglia reale diventerà Thanos, l’antagonista di Avengers Infinity War, guadagnando il suo potere. Non è ancora chiaro cosa effettivamente possa fare il giocatore che si impossessa del Guanto dell’Infinito (nella mitologia Marvel avere tutte e sei le Gemme dell’Infinito rende più o meno onnipotenti, anche se persistono dei limiti). Mi immagino che però riesca a battere diversi record al botteghino e annientare definitivamente la concorrenza di PUBG PlayerUnknown’s Battlegrounds, proprio come stanno facendo e faranno Infinity War e Fortnite Battaglia reale.

A quanto pare la collaborazione nasce dalla passione per Fortnite di Joe e Anthony Russo, i due registi di Avengers Infinity War (e di Captain America The Winter Soldier e Captain America Civil War). Si tratterà del primo evento di Fortnite nato come collaborazione con un altro marchio.

L'articolo Avengers Infinity War incontra Fortnite in un evento crossover proviene da WebTrek.

Jumanji Benvenuti nella giungla con Dwayne Johnson, detto The Rock, avrà un seguito. Sony ne sta discutendo sin al lancio di Jumanji Benvenuti nella giungla ma The Rock (che è anche produttore del film) ne ha di recente confermato la lavorazione e ora ne abbiamo una finestra di uscita.

Jumanji Benvenuti nella giungla è il seguito di Jumanji del 1995 con Robin Williams e Kirsten Dunst ed è ancora incentrato su un gioco maledetto capace di intrappolare le persone nel suo mondo, una giungla rappresentata (apposta) secondo tutti gli stereotipi dell’epoca colonialista, e di evocare i pericoli del suo mondo nel nostro. Mentre nel primo film Jumanji si manifesta come un gioco da tavolo in Jumanji Benvenuti nella giungla si è trasformato in una console che rapisce ignari videogiocatori e li costringe a un’avventura ricca di riferimenti divertenti e spesso ben inseriti al funzionamento dei videogiochi e ai loro luoghi comuni. Potete leggere qua la nostra recensione.

https://www.instagram.com/p/BhcAbeFlFWW/

Jumanji Benvenuti nella giungla è stato un grande successo. Quando dico “un grande successo” intendo che al botteghino domestico (cioè basandoci sull’incasso all’interno degli Stati Uniti d’America) Jumanji Benvenuti nella giungla è diventato il film di maggior successo mai prodotto da Sony Picture. Ha superato persino gli Spider-Man; non solo gli ultimi due, quelli brutti, ma anche quelli di Raimi. In tutto Jumanji Benvenuti nella giungla ha incassato più di 950 milioni di dollari.

Per questo Sony non si è lasciata scappare l’opportunità di annunciarne rapidamente un seguito, un seguito che dovrebbe nuovamente avere come protagonisti The Rock, Kevin Hart, Jack Black e Karen Gillan nel ruolo degli avatar con cui i giocatori entrano nel videogioco Jumanji. Secondo quanto ora detto da Tom Rothman di Sony Motion Pictures durante un evento Sony alla CinemaCon di Las Vegas il seguito di Jumanji Benvenuti nella giungla arriverà nei cinema a dicembre 2019, dove si scontrerà con l’ultimo film della nuova trilogia di Star Wars.

L'articolo Jumanji Benvenuti nella giungla viene premiato con un seguito per il suo successo proviene da WebTrek.

Il film di Angry Birds (Angry Birds Il film) del 2016 è stato uno dei più grandi successi cinematografici tratti da un videogioco. Prodotto da Rovio Animation, realizzato da Sony, diretto da Clay Kaytis (ex capo dell’animazione Disney) e Fergal Reilly (animatore e storyboardista Disney) e scritto da Jon Vitti (scrittore di episodi de I Simpson sin dalla prima stagione) Angry Birds Il film fa da prequel alla serie di videogiochi per dispositivi mobili raccontando l’origine dello scontro tra uccelli e maiali.

Nonostante l’accoglienza tiepida da parte della critica Angry Birds Il film guadagnò in tutto più di 352 milioni di dollari diventando, all’epoca, il film tratto da videogioco con il maggior incasso (a livello mondiale) della Storia, superando l’offensivo Prince of Persia Le sabbie del tempo e venendo superato subito dopo solo da Warcraft L’inizio.

Non si tratta di un incasso che indica un particolare successo come film di animazione 3D (il film in animazione 3D che ha incassato di più in generale al mondo è Frozen con 1290 milioni di dollari) ma basta a giustificare un seguito, prontamente annunciato da Sony e Rovio e ora fornito anche di una sua data di uscita. Considerate anche che in un momento di difficoltà per la compagnia il film di Angry Birds è diventato una fondamentale fonte di incassi per Rovio che in un anno ha perso più del 50% del suo valore azionario e ha dovuto chiudere il suo nuovo studio di Londra.

Il sequel di Angry Birds Il film, ancora senza titolo, arriverà al cinema il 20 settembre 2019. Ritornerà il cast del primo film ( Jason Sudeikis, Josh Gad, Bill Hader, Danny McBride, Peter Dinklage…) ma questo film sarà diretto da Thurop Van Orman di Adventure Time insieme a John Rice di Rick and Morty.

Nel 2019 è attesa l’uscita di altri due film tratti da videogiochi: Detective Pikachu, il primo film ad alto budget e live-action legato a un marchio Nintendo dopo il flop di Super Mario Bros, e il film di Minecraft.

L'articolo Angry Birds: Sony e Rovio annunciano la data di uscita del nuovo film proviene da WebTrek.

[AGGIORNAMENTO 19:00] Universal Pictures ha confermato la lavorazione del film di Doom ma ha anche detto che è gestito da Universal 1440 Entertainment. Universal 1440 Entertainment non si occupa di film destinati al cinema e realizza sia direct-to-video, film che arrivano direttamente in DVD e simili supporti, sia opere destinate a piattaforme com Netflix. Quindi, differentemente da come avevo scritto all’inizio intitolando l’articolo “Doom torna al cinema con un nuovo film”, il nuovo film di Doom potrebbe non arrivare al cinema. Segue la storia originale.

L’attrice Nina Bergman ha annunciato con un cinguettio su Twitter di essere parte della squadra che reciterà nel prossimo film tratto dalla serie di sparatutto in prima persona Doom di id Software, serie che racconta la lotta degli esseri umani contro un’invasione demoniaca su Marte.

Da quello che mi risulta nessuno aveva precedentemente citato l’esistenza di questo film e un cinguettio su Twitter è un modo un po’ strano per annunciarlo. Probabilmente conoscete Nina Bergman per… per… ha fatto parecchi cortometraggi ma non ne conosco nessuno neanche io, però ha lavorato sia come attrice sia come modella sia come cantante sia come scrittrice… insomma ha una lista abbastanza ricca di passate esperienze e mi aspetto che non si inventi la sua partecipazione a un film.

Il nuovo film di Doom sarebbe realizzato da Universal Pictures e, come scrive Bergman su Twitter, sarebbe diretto da “un regista veramente figo” e avrebbe una sceneggiatura “molto migliore” rispetto al precedente film di Doom, quello del 2005 con Dwayne Johnson detto The Rock.

Non disprezzo completamente il precedente film di Doom. È un film mediocre realizzato con un budget contenuto e mi dispiace che tolga i demoni sostituendoli con mutazioni causate dal contatto con un’antica civiltà marziana, ma per il resto riusciva almeno a capire cosa gli sviluppatori di id Software avessero in mente durante la realizzazione di Doom, recupera le atmosfere e l’horror d’azione di Aliens Scontro finale del 1986 esattamente come le vollero recuperare Romero e Carmack.

Inoltre, il film di Doom del 2005 ha questa scena qua sopra e continua a valere il prezzo del biglietto (o dell’acquisto o del noleggio).

L'articolo Doom diventerà di nuovo un film (che forse non arriverà al cinema) [AGGIORNATO] proviene da WebTrek.

In occasione dell’arrivo nei cinema di Rampage Furia animale con Dwayne The Rock Johnson Warner Bros ha pubblicato online una versione gratuita del videogioco per cabinati da cui il film è tratto, videogioco chiamato solo Rampage.

Potete giocare a Rampage, uscito originariamente nel 1986, direttamente dal vostro browser. In Rampage sono uno di tre mostri giganti (un gorilla, una donna lucertola e un lupo mannaro) intenti a distruggere le città degli Stati Uniti d’America. Ogni città è un quadro del gioco e il mio obiettivo è raderne al suolo tutti i palazzi per poi passare alla città successiva.

Questa versione di Rampage funziona anche in multiplayer locale dividendo la tastiera con altri due giocatori. Cliccate su How To play per vedere i controlli dei tre giocatori e pigiate i tasti dedicati al salto nella schermata con i titoli di giornale per entrare in gioco. Se non vi interessa il multiplayer locale potete inoltre giocare a Rampage anche su dispositivi mobili semplicemente entrando nella pagina dal vostro smartphone e sfruttando la levetta a sinistra e i due tasti a destra per controllare uno dei tre mostri.

Se avete visto il film Rampage furia animale o avete anche solo guardato i suoi trailer noterete subito come l’adattamento cinematografico non ha rispettato in nessun modo i toni del videogioco originale. I mostri di Rampage sono buffi, sguaiati e vulnerabili, sono esseri umani troppo cresciuti intanto a distruggere città senza motivo. I mostri di Rampage Furia animale sono creati per essere minacciosi, quasi paurosi e un po’ inquietanti e sono i nemici della storia invece che gli anti-eroi suoi protagonisti.

Potete leggere qui la mia recensione di Rampage Furia animale che, comunque, non è uno dei peggiori film a tema videogiochi attualmente al cinema. Perché è ancora in sala Ready Player One.

L'articolo Rampage è giocabile gratis online per il lancio di Rampage Furia animale proviene da WebTrek.

Rampage Furia animale con Dwayne The Rock Johnson è l’ultimo film legato a videogiochi (è tratto da una serie di giochi per cabinati nata negli anni 80) ad arrivare nei cinema. Non sono così d’accordo a definirlo “stupido ma divertente” come ho letto altrove. Rampage Furia animale non è un film “divertente”. È un film piacevole, un film che continueresti a vedere se lo incrociassi in televisione in una serata in cui non sai cosa fare, ma ha qualche problema con i suoi dialoghi e spesso non riesce a far funzionare proprio le sue battute e i suoi personaggi umoristici. In compenso è estremamente stupido.

I film tratti da videogiochi non sono più brutti: ora sono solo mediocri

È un film che sta in piedi perché c’è The Rock e The Rock lo fa funzionare con la sua interpretazione scema, divertita e fisica, ma non raggiunge neanche i livelli del recente Jumanji Benvenuti nella giungla e, parlando di film stupidi ma divertenti, siamo ben lontani da commedie d’azione come Spider-Man Homecoming o Thor Ragnarok. Ci sono voluti quattro sceneggiatori (Ryan Engle, Carlton Cuse, Ryan J Condal e Adam Sztykiel) per sceneggiare Rampage Furia animale e nonostante questo il film alterna a volte umorismo scritto male e sequenze semplicemente noiose; non è un buon risultato.

Non ve lo consiglio, ma se volete andare a vedere qualcosa che ha a che fare con i videogiochi al cinema è pur sempre meglio di Ready Player One e, come dicevo sopra, non vi sconsiglio di vederlo quando lo passeranno in televisione. Già questo lo rende uno dei migliori adattamenti cinematografici mai realizzati di un videogioco (insieme all’ultimo Tomb Raider di Alicia Vikander e a Warcraft L’inizio) e questo la dice lunga sulla qualità a cui siamo stati abituati. Voto: 5/10.

Dal videogioco al film

Non c’è molto altro da dire sulla qualità del film, io non sono un critico cinematografico e spero che voi non siate venuti nella sezione di videogiochi di un sito di tecnologia aspettandovi un critico cinematografico. Quindi dedicherò il resto dell’articolo ad affrontare il tema che più mi riguarda: Rampage Furia animale funziona come adattamento del videogioco Rampage?

Rampage Furia animale, diretto da Brad Peyton (Viaggio nell’isola misteriosa, San Andreas), inizia quando una stazione spaziale viene distrutta da un esperimento fallito e materiale mutageno precipita in tre zone degli Stati Uniti d’America trasformando in enormi e feroci ibridi un alligatore, un lupo e il gorilla albino George curato dal primatologo Davis Okoye (Dawyne Johnson detto The Rock). La malvagia società che ha creato il materiale mutageno vuole recuperarlo e quindi attira i tre mostruosi animali alla sua sede di Chicago dove Davis si troverà a lottare per evitare la distruzione della città da parte dei mostri e dell’esercito americano e per trovare un antidoto che salvi il suo amico gorilla. In questo sarà anche aiutato dalla scienziata Kate Caldwell (Naomie Harris) in parte responsabile per questi esperimenti.

Rampage Furia animale è nella sua parte centrale un classico monster movie con tre diversi mostri impegnati a distruggere la città tra palazzi che crollano, persone smembrate (il film non risparmia dettagli truculenti usati sia come elementi horror sia come elementi comici) e mezzi militari che tentano inutilmente di fermare le bestie.

Ma anche se in Rampage Furia animale i mostri sono i principali antagonisti i veri cattivi, i veri colpevoli, sono i capi della malvagia compagnia (interpretati da Malin Åkerman e Jake Lacy) che ha creato il mutageno e l’esercito è più spesso una minaccia che una opportunità di salvezza. E questo in qualche modo basta a distinguere Rampage Furia animale nella massa di monster movie con persone comuni o soldati che sopravvivono a mostri o cercano di combatterli, perché il suo protagonista non è impegnato né a fuggire né a uccidere: Davis/The Rock vuole salvare uno dei mostri, e l’intera città, sia dall’esercito sia dalle creature mutate.

Sono anche contento di vedere il cinema nord americano allontanarsi dai timori successivi all’11 settembre 2001. Negli anni che seguirono l’attacco all’World Trade Center e alle sue Torri Gemelle fu difficile mostrare al cinema o in televisione una città che venisse distrutta. Il monster movie Cloverfield (2008) contribuì a rompere questo tabù realizzando un film che racconta in chiave fantastica proprio l’11 settembre, l’incapacità di comprendere un attacco che proviene da un Altro ignoto e alieno.

Un videogioco tradito

Ma Rampage Furia animale non arriva mai a riproporre lo spirito del gioco originale, di cui Warner Bros ha acquisito i diritti insieme agli altri marchi di Midway Games nel 2009. La promozione del film evita anche di sottolineare questa parentela, nascosta in mezzo ai titoli di coda.

In Rampage (1986) di Brian Colin e Jeff Nauman devo distruggere le città degli Stati Uniti d’America controllando uno tra tre mostri giganti: un’enorme scimmia, una donna lucertola e un lupo mannaro. Ogni quadro del gioco è una schermata unica con grattacieli rettangolari su cui posso arrampicarmi e che posso abbattere (rivelando gli oggetti nascosti al loro interno) e con truppe della Guardia Nazionale da cui difendermi. Il mio obiettivo è distruggere tutti i palazzi di ogni città per poi passare a quella successiva e Rampage fu uno dei primi giochi a consentire a tre persone di giocare insieme in multiplayer locale.

Rampage fu, soprattutto, uno dei primi giochi a mettermi nei panni di malvagi anti-eroi. Ognuno dei tre mostri del gioco è il risultato della mutazione involontaria e indesiderata di un essere umano e ognuno dei tre vuole solamente distruggere per il semplice gusto di distruggere, perché distruggere un’intera città in un videogioco è divertente, perché è divertente divorare le persone per guadagnare salute.

Rampage Furia animale ha come protagonista chi vuole fermare la distruzione e apparentemente parla di molti temi diversi. L’uomo come forza del bene e come forza del male, la preservazione di specie animali in pericolo, le conseguenze di una ricerca scientifica guidata principalmente dagli interessi del capitalismo… ma tratta questi argomenti solo come elementi che fanno naturalmente parte della stereotipata costruzione del genere monster movie.

Rampage ha invece come protagonista il mostro e non parla apparentemente di niente, racconta solo quanto sia divertente rompere e uccidere, e facendolo parla di cose molto più interessanti in un modo molto più interessante.

Rampage ha una visione estremamente pessimista della natura umana, una visione in cui un essere umano liberato dai suoi freni inibitori e dalle sue debolezze vorrebbe distruggere le città, in cui un giocatore trova divertente distruggere le città e in cui l’esercito contribuisce alla devastazione quanto i mostri che dovrebbe combattere. Nel gioco gli esplosivi e i missili lanciati dai militari demoliscono i livelli, mostri e uomini sono due forze della distruzione scatenate nelle città americane e i civili sono vittime collaterali di cui nessuno sembra curarsi. Rampage Furia animale ripropone solo in parte questo concetto.

Infine, Rampage fu uno dei primi videogiochi pensati per non porre obiettivi da rispettare e regole ferree ai suoi giocatori. In Rampage ci sono livelli e ci sono punteggi, ma il gioco non fu progettato per obbligarmi a competere per il punteggio più alto ed era piuttosto facile al momento dell’uscita (in seguito furono introdotti nuovi livelli per aumentarne la difficoltà).

“Immaginai un gioco in cui non ci fosse un modo sbagliato di giocare” dice Colin in un’intervista al Chicago Tribune. “Se vuoi essere competitivo va bene. Se non vuoi esserlo… va bene lo stesso. Tutti parlavano di personaggi che morivano nei videogiochi al momento della sconfitta ma all’epoca avevo un figlio di due anni e una figlia di due mesi, mi piaceva la violenza di Bugs Bunny e non apprezzavo l’idea di veder morire i personaggi nei videogiochi.”

Quando la salute di uno dei mostri si azzera la bestia torna alla sua misera forma umana, ma un quarto di dollaro infilato nel cabinato può nuovamente renderla enorme e pericolosa. “Il mio obiettivo era fare qualcosa di divertente… e questo doveva valere qualsiasi fosse la tua definizione di divertimento” disse Nauman (l’affermazione è riportata nel solito articolo del Chicago Tribune). “Odiavo i giochi che ti obbligavano a giocare nel modo che i programmatori volevano che tu giocassi.”

In Rampage gli autori volevano dare ai giocatori una libertà (magari solo in parte concretizzata davvero nell’opera) che ben si adatta al suo gameplay e alla sua narrazione: sono un mostro gigante, chi può dirmi cosa devo fare? Sono un mostro gigante, chi può dirmi in che genere videoludico devo stare? Rampage era qualcosa di unico, Rampage Furia animale non è un monster movie orribile o senza una sua personalità, ma è un film inserito in un genere specifico e, per questo, un tradimento delle sue origini.

L'articolo Rampage Furia animale non rispetta il videogioco da cui è tratto – Recensione film proviene da WebTrek.

Come ho scritto nella mia anteprima non sono rimasto molto convinto da Radical Heights, il nuovo videogioco di Boss Key Productions di Cliff Bleszinski, creatore di Unreal e Gears of War. Ma un suo elemento, le sue BMX, mi ha colpito e mi ha fatto ricordare un film non troppo noto, Turbo Kid.

Radical Heights è una Battle Royale ambientata in uno show televisivo molto anni 80 di un prossimo futuro, uno sparatutto evidentemente creato per fare rapidamente cassa dopo il flop di LawBreakers mescolando un paio delle mode del momento e lanciato su Steam in Accesso Anticipato estremo (così dicono gli sviluppatori) prima di essere pronto. Ha qualche idea e qualcosa che lo differenzia dalla concorrenza ma in generale sembra solo un imbranato tentativo di lucrare sull’ultima tendenza e di far restare aperto uno studio che (e questo mi dispiace per tutti i suoi lavoratori) è evidentemente in difficoltà.

Una delle idee di Radical Heights è avere come mezzo di trasporto le bici BMX, cioè le bici da motocross, da fuori strada.

In molte Battle Royale esistono veicoli da usare per muoversi più rapidamente sulla mappa, spesso allo scopo di fuggire dalle zone che stanno per diventare pericolose per i giocatori, ma in Radical Heights la bici da cross è l’unico mezzo, un mezzo agile e capace di farmi compiere salti e acrobazie. Radical Heights non riesce a sfruttare, o non riesce ancora a sfruttare, in modo particolarmente interessante questo elemento anche perché la sua mappa è prevalentemente urbana, piatta ed esageratamente realistica.

L’ambientazione anni 80 ma futuristica del gioco, combinata a queste bici, mi ha fatto però venire in mente Turbo Kid.

Turbo Kid è un film del 2015 diretto da François Simard. In Italia potete trovarlo su Netflix se siete abbonati a questa piattaforma di streaming e godervi un’ora e mezzo di intrattenimento a basso budget e con qualche vistoso buco di sceneggiatura (se avete visto Star Wars Gli ultimi Jedi e lo avete apprezzato questo comunque vi sembrerà sceneggiato direttamente da Hitchcock) ma con uno dei migliori mondi post-apocalittici che io abbia mai visto. Ed è uno dei migliori mondi post-apocalittici che io abbia mai visto perché è basato sulle biciclette.

Turbo Kid non è steampunk, cyberpunk o dieselpunk ma bikepunk. E se ci pensate bene non è chiaro perché non siano bikepunk (probabilmente è un sottogenere di clockpunk) anche tutte le altre opere post-apocalittiche. Pensate a quanto sia preziosa la benzina in tutte le narrazioni che avete visto o letto nel genere, pensate a quanto sia complicato mantenere qualcosa come un cavallo in un mondo dove manca il cibo anche per gli esseri umani. Una bicicletta ha certo bisogno di manutenzione e ha anche alcune parti delicate, ma è alla fine facile da aggiustare (più facile di un’automobile comunque) e non deve essere nutrita o alimentata.

Magari Turbo Kid basa il suo futuro sulla locomozione in bicicletta solo per carenze nel budget, ma sarebbe comunque un modo brillante di trasformare un limite in un’opportunità creativa. Per il resto, il film è la storia di The Kid (Munro Chambers), un ragazzino che sopravvive con la sua BMX in un passato alternativo post-apocalittico (il film è ambientato nel 1997), e del suo incontro con Apple (Laurence Leboeuf), una ragazza misteriosa e particolarmente estroversa. Un incontro che scatena una serie di eventi a base di laser neon e mutilazioni.

Vorrei veder Radical Heights espandere questa componente del gioco invece che perdere tempo a imitare altre Battle Royale con la sua mappa e le sue armi. Che senso ha costruire un’ambientazione futuristica ma anni 80 e uno show televisivo per poi infilare tutto in una cittadina qualsiasi? Ma nell’attesa che Radical Heights diventi qualcosa su cui valga la pena spendere tempo e magari denaro potete vedervi Turbo Kid.

L'articolo Radical Heights? Lasciatelo perdere e guardate Turbo Kid proviene da WebTrek.

Ready Player One di Steven Spielberg sta avendo un buon successo al botteghino nonostante il mio (e non solo il mio) tentativo di scoraggiare le persone ad andare a vederlo e questo ha accelerato la lavorazione di un altro film tratto da un altro romanzo di Ernest Cline, Armada, uscito nel 2015.

Cline lavorò alla stesura dell’adattamento cinematografico di Armada già durante la scrittura del romanzo e con il successo di Ready Player One Universal Studios ha deciso di proseguire nominando Dan Mazeau come suo sceneggiatore. Potreste conoscere Mazeau per aver lavorato alla scrittura del terribile La furia dei titani del 2012, seguito del terribile Scontro tra titani del 2010, remake del quasi omonimo Scontri di titani del 1981 (in originale entrambi i film si chiamano Clash of the Titans, ma poi sono arrivati i traduttori e i distributori italiani e han dovuto far confusione). Mazeau lavorerà partendo da un trattamento scritto da Cline stesso.

Armada è un altro racconto costruito sulla nostalgia degli anni 80, delle atmosfere delle sue storie e dei suoi videogiochi. In questo caso il riferimento è il film Giochi stellari (The Last Starfighter) del 1984, film da cui Armada copia interamente il suo spunto iniziale: un ragazzino gioca un sacco a un videogioco che scopre essere una simulazione pensata per addestrarlo a una vera guerra spaziale.

Non c’è ancora una qualche finestra di uscita per l’adattamento di Armada e ancora non sappiamo chi dovrà dirigere l’adattamento di questo romanzo di Cline. Mi aspetto però che Universal voglia spicciarsi per poter cavalcare l’onda di Ready Player One.

L'articolo Ready Player One convince Universal ad adattare Armada di Ernest Cline proviene da WebTrek.

Kingsglaive Final Fantasy 15 è finalmente disponibili su Netlix per tutti gli abbonati al servizio. Kingsglaive Final Fantasy 15, distribuito prima di Final Fantasy 15, fa da prequel all’ultimo videogioco della serie di Square Enix raccontando come la città di Insomnia cade in seguito alle macchinazioni dell’Impero di Niflheim mentre il principe Noctis è stato allontanato per il suo matrimonio con Lunafreya.

Proprio Lunafreya è uno dei personaggi principali di Kingsglaive Final Fantasy 15, anche se purtroppo in questo film ha soprattutto il ruolo di damigella da salvare mentre i veri protagonisti sono i Kingsglaive, un corpo speciale legato ai poteri della famiglia reale Lucis poi diventati centrali anche del DLC multiplayer di Final Fantasy 15, intitolato Comrades. Non è un film scritto particolarmente bene (trovate qui la mia recensione) e la sua computer grafica non è perfetta, ma è comunque un bello spettacolo che consiglio anche a chi non ha giocato Final Fantasy 15 ma è appassionato ai toni della serie.

Sinora Kingsglaive Final Fantasy 15 era disponibile solo acquistandolo (anche in formato fisico) o noleggiandolo da servizi di distribuzione digitale e questa potrebbe essere per molti una buona occasione per vedere il primo lungometraggio in computer grafica di Square Enix dai tempi di Final Fantasy 7 Advent Children (Kingsglaive Final Fantasy 15 è tra l’altro prodotto dallo stesso studio di Square Enix, Visual Works).

La compagnia giappone sta nuovamente investendo su questo mercato che sembrava aver deciso di abbandonare dopo le prime difficoltà con il flop di Final Fantasy Spirit Within. Anche Luminous Productions, il nuovo studio del direttore di Final Fantasy 15 Hajime Tabata, sta lavorando a un film animato in computer grafica, in questo caso un documentario creato in collaborazione con la televisione nazionale giapponese.

Potete raggiungere Kingsglaive Final Fantasy 15 su Netflix cliccando qui.

L'articolo Kingsglaive Final Fantasy 15 è disponibile su Netflix proviene da WebTrek.

Ready Player One, diretto da Steven Spielberg, scritto da Zak Penn ed Ernest Cline e tratto da un romanzo di Cline (intitolato in Italia solo Player One), racconta di un futuro distopico in cui le persone vivono rifugiandosi in un videogioco in Realtà Virtuale chiamato Oasis e basato sulla cultura pop. Il creatore di Oasis, James Halliday (Mark Rylance), è morto da ormai cinque anni e da allora gli utenti della piattaforma sono alla ricerca di easter egg, segreti nascosti all’interno del gioco, che possano portarli attraverso una serie di sfide sino a un easter egg finale capace di rendere il suo scopritore il nuovo proprietario di Oasis e l’erede della fortuna multimiliardaria di Halliday.

Mentre molti giocatori si sono stancati della ricerca dopo tanti anni trascorsi senza trovare nulla, alcuni utenti più dedicati non hanno mai abbandonato la sfida. Tra loro c’è il protagonista Wade Watts (Tye Sheridan), che nel gioco si chiama Parzival, i suoi amici Aech (Lena Waithe), Shoto (Philip Zhao) e Daito (Win Morisaki), la famosa videogiocatrice Art3mis (Olivia Cooke) e gli sgherri della IOI, Innovative Online Industries, una compagnia presieduta dal malvagio Nolan Sorrento (Ben Mendelsohn) che vuole impossessarsi di Oasis per riempirlo di pubblicità e avere in mano quella che è ormai la più grande risorsa economica del mondo.

Adventure

Una delle sfide incontrate dai protagonisti nel film durante questa caccia al tesoro (e questo sarà l’unico spoiler che farò in un film già abbastanza spoilerato dal suo materiale promozionale) è incentrata sul videogioco Adventure (1979) di Atari per Atari 2600, famoso per essere stato uno dei primi videogiochi a includere al suo interno un easter egg (il primo gioco in assoluto a contenere un easter egg sarebbe, secondo gli studi attuali, Starship 1 di Ron Milner del 1977).

La partita a Adventure è tanto importante da essere l’unica sfida incontrata dai personaggi di Ready Player One sia nel film sia nel romanzo. Le altre sfide del film, fortunatamente, si incentrano più sull’esplorazione del personaggio di Halliday che su una conoscenza enciclopedica della cultura degli anni 70 e 80, tanto amata dal creatore di Oasis e da Cline e base di tutto il romanzo originale dove Wade deve invece far cose come reintepretare una scena del film WarGames.

Ma il film non sottolinea i veri motivi dietro all’introduzione dell’easter egg in Adventure, in cui recuperare un oggetto segreto permette di accedere a una stanza segreta dove è mostrato il nome dell’autore.

Atari non dava alcun riconoscimento ai suoi autori. Non potevano firmare le loro opere, perché Atari non voleva che le compagnie rivali potessero cercarli e fare loro offerte di lavoro, e Warren Robinett, che da solo progettò e programmò Adventure creandone anche la grafica, non ricevette alcuna royalty sulla sua opera che, eppure, vendette più di un milione di copie. Nascondere attentamente il suo nome all’interno del gioco gli permise di firmare la sua opera senza che Atari scoprisse la firma prima del lancio.

Quando Atari si accorse del segreto cercò il modo di eliminarlo, ma si rese conto di quanto sarebbe stato dispendioso produrre nuovamente il gioco e, sopratutto, di quanto la presenza di simili segreti potesse invece essere sfruttata commercialmente dalla compagnia stessa. Fu Atari a creare il termine “easter egg”, promettendo ai videogiocatori che nelle opere successive ci sarebbero stati altri segreti da cercare “come uova di Pasqua” (che tradizionalmente nei paesi anglosassoni vengono nascoste dai genitori e devono essere trovate da bambini).

Da un certo punto di vista, Adventure rappresenta all’interno della storia una metafora della lotta che sta al centro della trama: una corporazione senza volto contro un autore con un nome che vuole essere riconosciuto. Da un altro punto di vista, la compagnia che crea Oasis (Gregarious Simulation Systems) non è diversa dalla IOI.

La Realtà Virtuale tossica di Oasis

In Ready Player One la nascita di Oasis è raccontata come la nascita di un videogioco indipendente degli anni 80, l’opera di un singolo autore che ha completo controllo su tutti i suoi aspetti creativi. In nessun punto vengono citati gli artisti che hanno creato Oasis, i suoi programmatori, i designer che hanno ideato i sistemi e le interfacce del gioco. Esiste solo Halliday, lo stereotipo dell’appassionato di videogiochi disadattato, incapace di dichiararsi a una ragazza e chiuso in un mondo virtuale.

Un mondo virtuale in cui Halliday incoraggia l’intero mondo a chiudersi. La realtà di Ready Player One è fatta di periferie con case/roulotte/container accatastate in verticale (Wade vive proprio in una di queste “cataste“) e come viene detto nell’infinito prologo del film, una negazione della regola narrativa dello “show don’t tell” (le cose vanno mostrate e non raccontate), nel futuro di Ready Player One la gente ha smesso di cercare una soluzione ai problemi e ora si limita a sopravvivere.

Oasis contribuisce a rendere peggiore questo mondo, aiuta le persone ad abbandonare una lotta reale per imprigionarle in una fantasia di potenza in cui tutto è possibile. In Oasis ognuno può essere ciò che vuole, può avere l’aspetto che desidera e cambiarlo quando desidera, può combattere in deathmatch massivi e correre su auto fantascientifiche, può usare oggetti magici e trasformarsi in robot giganti.

Il film cerca di presentare Halliday come lo sviluppatore di una “Realtà Virtuale buona” che potrebbe venir solo corrotta dall’IOI, ma poi mostra persone che rinunciano alla loro casa per acquistare oggetti in-game che vengono completamente persi se il personaggio muore. Perché morire e respawnare in Oasis vuol dire perdere davvero tutto ciò che il personaggio possiede, e siccome il videogioco non ha apparentemente una divisione tra aree in cui il PvP è permesso e aree solo PvE in qualsiasi momento un personaggio può tirar fuori una pistola, ucciderne un altro e fargli perdere anni di spese in valuta reale.

Sarebbe sbagliato dire che Ready Player One ignora totalmente queste problematicità. Per esempio, in un una scena del film, un ricordo di Halliday che i protagonisti studiano alla ricerca di indizi sulle sfide di Oasis, il suo socio Ogden Morrow (Simon Pegg), che Halliday poi allontanerà, cerca di spiegargli le sue responsabilità come creatore di Oasis, cerca di spiegargli che è responsabile di come le persone usando la tecnologia che ha inventato. E Halliday emerge come un personaggio solo e infelice, chiuso in se stesso e pieno di rimpianti per la vita reale che non ha vissuto.

Ma il modo in cui vengono affrontate queste questioni è almeno ambiguo. Non si tratta neanche di una sovrapposizione tra due diversi punti di vista, tra il punto di vista ottimista di alcuni personaggi e il punto di vista più critico di altri personaggi o degli autori, ma dell’incapacità di andare davvero sino in fondo a temi anche volontariamente citati.

Nel film esiste anche un gruppo chiamato “la resistenza” (assente nel romanzo originale). Uno dei personaggi fa parte di questo gruppo, ma non si capisce a cosa stiano effettivamente resistendo: accusano l’IOI di usare Oasis per i suoi scopi (rapisce i suoi debitori per farli lavorare come schiavi nella Realtà Virtuale), accusano le persone di aver abbandonato il mondo reale, ma in nessun momento sembrano intenzionati a conquistare Oasis per distruggerla e per usare il denaro lasciato da Halliday per aiutare le persone nel mondo reale, in nessun momento vengono citate le responsabilità di Halliday nell’aver creato la distopia in cui i personaggi vivono e nell’aver raccolto miliardi approfittando delle persone, permettendo a compagnie come l’IOI di schiavizzare le persone e sfruttando marchi commerciali.

Una fantasia fatta solo di marchi commerciali

Perché il mondo di Oasis è un mondo costruito da marchi commerciali, non da contenuti originali. Il romando di Cline è un grande omaggio alla cultura anni 80, ma il film di Spielberg allarga il mondo della Realtà Virtuale con riferimenti che arrivano ai nostri anni: in Oasis posso comprare la skin di Tracer da Overwatch, di Hello Kitty, di Goro di Mortal Kombat, Parzival indossa la fondina di Han Solo, guida la DeLorean di Ritorno al futuro, Aech sta costruendo il robot de Il gigante di ferro.

Oasis è un marchio commerciale basato sullo sfruttamento commerciale di altri marchi commerciali. Il passaggio da romanzo a film rende tutto ciò ancora più grottesco: il libro poteva permettersi di citare le opere che voleva, poteva costruire il suo mondo virtuale anni 80 concentrandosi effettivamente su ciò a cui Cline, il vero Halliday di Oasis, è affezionato, il film ha dovuto rispettare accordi su accordi per lo sfruttamento delle licenze e scendere a compromessi.

Quindi per esempio ecco scomparire Monty Python e il Sacro Graal, non abbastanza iconico per come oggi vengono raccontati gli anni 70 e 80, mentre compaiono massicciamente marchi DC, di cui Warner Bros (produttrice di Ready Player One) possiede i diritti cinematografici. Ready Player One assomiglia a un unico grande product placement.

In Ready Player One i nostalgici degli anni 70 e 80 godranno nel cercare tutti i riferimenti ai marchi commerciali della loro infanzia, un’infanzia prodotta da multinazionali su cui le multinazionali hanno scoperto di recente di poter ancora lucrare, il pubblico più giovane coglierà i riferimenti ai marchi commerciali più recenti e resterà abbagliato dalla computer grafica e dalle scene d’azione. Ma è uno spettacolo che mi ha lasciato molto triste e molto arrabbiato, una specie di celebrazione consolatoria in mezzo a un futuro distopico che il film stesso sta contribuendo a creare. La vera resistenza è resistere a Ready Player One.

L'articolo Ready Player One, dove il brand è nostalgia e la nostalgia è brand – Recensione film proviene da WebTrek.